T h e B l a c k B o x

2023
Pure noise Records
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Pop punk ou bien power pop ? La limite est parfois mince, et on ré écouteras les performance du boss pour s'en convaincre. Rien à voir là, on est en face d'une collection de chansons d'amour triste. Et encore, peut être pas clairement que d'amour, mais disons qu'il serait comme un spectre planant sur l'écriture de ce disque. Après, c'est seulement  une impression, mais vous qui vous vous apprêtez à écouter ce disque, abandonnés tout espoir, comme lisait l'autre. Les personnages de Spanish Love Song sont au prise  avec la vie, ils ont perdues pied, ils sombrent doucement, dans l’abîme. C'est confronté à la mort que l'esprit parait le plus aigus et le  plus cinglant. C'est face à la perte de sens que l'esprit part à la dérive. C'est face à un un désespoir sans forme que l'esprit se rebiffe et nous pousse à faire des choses que l'on ne se serait pas cru capable de faire, voir même d'y penser.
No Joy n'est pas un titre racoleur. Il est parfait dans sa simplicité. Toute la musique, et les paroles du groupe californien sont exempt de joie, cette émotion qui était si chère à ce petit prussien de Friedrich Nietzsche. No Joy, tout simplement, et ne la chercher pas, elle n'est ni caché sous divers degré d'écoute, ni même métaphorique, et si l'on la mentionne, c'est bien pour dire qu'elle n'est pas là. La musique n'est pas tant triste quand à  elle, elle est power pop, dans toute sa quintessence, le rythme du duo de guitares acoustique / électrique est soutenue par une section rythmique basse / batterie au top, et le chant est parfaitement calibré pour cette musique.
Chaque piste est une petite histoire triste, ont y évoque la vie, la mort, et tout ce qui se situe entre les deux. Pas de doute, c'est l'automne.  

2018
Anti
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Ré écouter cet album à la lumière froide d'une dépression légère, pour peu qu'on ai déjà connu la dépression féroce qui vous clou au lit et/ou à une chaise, regardant le temps défiler par la fenêtre,  les yeux vagues et vitreux. C'est peut être le pinacle de leur discographie sans faute, pour le moment, exception faite peut être du dernier album "Infinite Granite (2021)" qui inaugure une nouvelle ère dans l’évolution de la musique des californiens.
Ordinary Corrupt Human Love illustre déjà le talent, le génie du groupe pour le titre très fortement évocateur. Car si l'amour se place parmi les idéalisme, et qu'il contient multitude de nuance, autant que d'être humain (c'est quoi être ?) l'ordinaire lui, est ancré bien solidement dans la matérialité.
Ne pas confondre matérialité et l'insulte qui peut être faites parfois, il s'agit bien de notions philosophiques ici. On fraie avec Marx et son matérialisme dialectique, qui dit en sommes que c'est tout d'abords tes conditions matérielle d’existence qui façonnent les idées, et non le contraire.
Ainsi l'ordinaire se place contre l'amour, protéiforme, intangible, évanescent et vaporeux, contrairement à la dure réalité de mon compte en banque, ou plutôt de son inexistence arrivé au vingt de chaque mois.
Le monde est violent, le quotidien est violent, et la plupart des violences ne sont pas physique, elles ne sont que l'arbre qui cache la forêt, et contre ça, Deafheaven cherche l'amour, peut être comme remède, au du moins comme à coté, comme quelque chose hors du champ de fleurs, comme quelque chose de merveilleux dans lequel on peut se réfugier parfois. Pure idéalisme ? C'est plus compliqué.
L'album entier semble presque un appel à la nature, omniprésente dans les paroles, qui tiennent plus de la poésie que de la chanson.
D'ailleurs il est significatif de voir que le groupe amorce déjà son virage vers plus de douceurs et de musicalité, non qu'il n'y en eu pas dans les précédents, mais là il y en juste plus, c'est un fait.
Et plus de lumière aussi, dans cette musique, qu'avant. De l'amour et de la lumière pour lutter contre la noirceur du monde sensible, pas sur que cela suffise, mais ont seraient bien stupide de ne pas en prendre non plus notre part, en attendant mieux. Non pas comme un baume sur nos blessure, comme un cachet de paracétamol sur un mal de tête lancinant, mais bien comme une voie à suivre ?
Pur idéalisme de la part de Deafheaven ? On ne serait le dire avec certitude. Tout est si compliqué, et l'existence si complexe, est absolument un mélange des deux.
Artiste porteur de lumière, il s'agit peut être juste d'un fanal dans la nuit, rien de plus, une flamme de  bougie entraperçut au loin, posé sur le rebord d'une fenêtre. 
L’œil humain  peut apercevoir la flamme d'une bougie à cinquante kilomètre, dans la nuit la  plus sombre, c'est peut être juste la preuve de notre appétence naturelle à la recherche d'un peu de bonheur, et ci ce n'est celui ci, d'un peu de réconfort, de chaleur, d'une caresse, d'un sourire bref échangé avec une inconnue dans la rue, qui sait.

2023
Full Time Hobby
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Cela parle du deuil et des endroits qui nous semblent hantées par nos souvenirs. Les fantômes seraient ils de simples projections de notre esprit en proie aux affres du chagrin ? Je ne vois pas comment mieux l'expliquer. Même la pochette montre cette maison pleine de souvenir, dont le chanteur dira qu'elle semblait suspendu dans le temps après le décès de sa mère.
Une disparition, tout comme d'autres moments d'émotions intense, est toujours propice à un curieux travail de mémoire solitaire. comme si le refuge dans  nos souvenirs nous semblait alors préférable plutôt que d'affronter le présent nu. Comme si cette soudaine anamnèse, déclencher par cet épisode intense, cherchait à nous conforter, tout en arrivant seulement, et souvent, à juste un peu plus de mélancolie.
Il y a force d'émotion dans la musique de ce trio anglais dont la musique me semble être un des petits enfants de Gary Numan, oui, j'ai mes références je fais ce que je peut. Il y à une tension, une urgence dans cette album, dans cette musique, presque palpable. Les albums cathartique sont parmi mes favoris, non pas que je me réjouisse du malheur des autres, mais leurs émotions sont plus vrais, éclatante et simple, elles saisissent le cœur doucement et sans violence (c'est ici le cas du moins) pour nous montrer tout ce que les compositeurs ont cherché à nous raconté. C'est une vie qui s'étale sous nos oreille, ici, et ça mérite qu'on l'écoute, surtout quand c'est fait avec un tel brio.

Delirious chatter… clinks of warm cans of beer… Cocteau Twins played at full blast. Lively memories of parties and people live on through This House, the new album from Pale Blue Eyes. The house in question is there on the front cover, the childhood home of the trio’s vocalist and guitarist, Matt Board. Defined by closure and moving on, This House is shaken to its rafters as the band navigate the grief of recent parental loss. Alongside uplifting melodies that dance like no-one’s watching, the album is rich in life-affirming human connections, where music-making becomes a means of recovery.

“When Mum died, five years after Dad, there was this charge hanging in the air, connecting each person in the room,” says Matt. “Time stopped. I felt like I momentarily entered an alternative dimension between life and death. Days and weeks later I’d see my family in every corner of the house – all the reminders, ghosts and memories. Then, gradually, it felt like time for a new start, moving on from the house and my amazing parents.”

While the band’s debut LP Souvenirs captured memories and melancholy from around the death of Matt’s father, This House is its next-door neighbour. The new album was finished in the immediate aftermath of the death of Matt’s mum. As soon as the record was completed, PBE were packing up the contents from their self-built Penquit Mill home studio, financed through endless casual work and a bank loan. The location was a dream – in the middle of nowhere, just south of Dartmoor, midway between Plymouth and Totnes.

The studio was where they spent hours recording and self-producing both records, while supporting Matt’s mum through the decline of a long-term illness. Matt and his bandmate and wife Lucy Board (drums/synth/production) have now returned north, to her native Sheffield, with funk-mad bassist Aubrey Simpson living between Devon and London.

“It’s a more sombre and more ecstatic album, with an urgent desire to remember and enjoy every moment,” says Matt of the record’s life-defining “end of era” moments. “We’ve dealt with loss throughout both albums,” says Matt, “but this time there has been rebuilding – appreciating and relishing the things and people still here.” Pertinently, album tracks ‘Sister’ and ‘More’ celebrate the complexities of relationships between family and friends.

“We wanted to turn a shitty situation into something positive,” says Lucy, “ so we put all our energy into making music that was fun to play live and perhaps open up a way out.” Matt concurs: “The album captures moments of elation and joy alongside the grave mood that eventually engulfed our home. During those tough times we played all over the UK and overseas, buoyed by the thrill of people listening to what we’d been working on… knowing two days later we’d be in a hospice saying our final goodbyes to Mum. The ultimate headfuckery.”

PBE say the new album is a “slightly more worldly-wise sibling” to 2022 debut LP Souvenirs. The latter was roundly acclaimed. “Joyous... propulsive… exhilarating”, said Uncut. Magic of France were impressed: “Ultrapuissante... orgasmique... profondeur infinie.” Line Of Best Fit said, “‘Like all great debuts it’s both a culmination of their beginnings as well as a pointer to the wide open road ahead.”

Mixed and mastered by Moonlandingz’s Dean Honer (Róisín Murphy, The Human League, I Monster), with jam sessions its driving force, This House bounces through analogue tape delays and effects pedals to capture life’s oscillating journey. Celebratory ‘Simmering,’ and ‘Hang Out’ offer peaks, highlighting the importance of pressing the ‘off’ switch. “It’s about enjoying simple moments,” says Matt, “the sun on your face, hanging with friends in the pub, looking at the night sky...”

Any threat of troughs are lifted by motorik rhythms from their Moog Little Phatty and Prophet 12 – thanks to Lucy’s fascination for South Yorkshire synth innovation. The dissertation for her music degree was titled “An Investigation into Sheffield's Alternative Music Scene Between 1973 and 1978, with Particular Reference to Cabaret Voltaire.”

With This House, Lucy’s hometown sounds blend with Aubrey’s evangelical interest in Motown and various funk titans. These diverse touchstones comes through in the PBE album’s blend of pop hooks and psych-rock sophistication. ‘Heating’s On’ is a driving anthem, glistening with ’80s guitar and a trumpet part care of Lucy. ‘Sister’ mixes goth-rock guitar with DIY choral grandeur, a tasty mix of The Cult and Joe Meek. ‘Millions Times Over’ takes feelings of hopelessness and then creates a lovely bittersweet feel via shimmering synths and wistful vocals. The album concludes with the widescreen expanse of ‘Underwater’, a moving, meditative set-piece.

“Mum always said she loved hearing the sounds of the recording process as people would come and go from the studio,” Matt remembers.

Making music as a means to go on, Pale Blue Eyes’ two albums bookend other significant moments, such as soundtracking the Atmos arts-and-housing project in Totnes (featuring a sound-and-light installation by Brian Eno). There was also the time PBE’s beloved old Citroën blew up between gigs, reinforcing a valuable lesson. “You have to embrace the Berlingo!” says Lucy, rolling out the band’s new motto.

“Change is inevitable,” Matt adds. “You have to embrace it all, the good and bad, and the horribly ugly.” 

2023
Mobile Suits Records
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C'est compliqué de parler de musique ambient sans répéter les mêmes poncifs articles après articles. Pourtant c'est un genre que j'aime beaucoup, mais je ne sais jamais par quel bout le prendre. Avec Fox3r et Define Love, au moins c'étais un peu plus simple, ça parlait d'amour, et voilà.
Facile ensuite de se mettre en condition mentale pour écouter ce disque (assez court, trente et une minute). Si ça parlait d'amour, il fallait encore que cela explore toute la palette de sentiments associée à ce dernier. Et force d'admettre que le disque y arrive assez bien, avec force d'explication. Chaque titre de l'album est assez explicite pour signifier à l'auditeur  ce sur quoi la musique va porter. Ainsi un titre comme Love Hurt vas faire  immédiatement penser à une peine de cœur, ou peut être à un amour non réciproque, ou bien un amour caché, ou bien tout ce qui fait sortir de la peine, voir de la douleur dans l'amour, car il peut  blesser. L'introductif Dream Remanence est peut être  l'un de mes titres préféré, il évoque cet instant entre le sommeil et le réveil, lorsque l'on est encore imprégné du rêve que l'on vient de quitter, et il y cet instant très fugace ou l'image de la personne avec qui vous étiez en rêve est encore là, présente, avant qu'elle ne commence par s'évaporer au bout d'une minute, ne vous laissant qu'un vague souvenir, peut être un peu érotique, mais surtout frustrant.
La musique de Fox3r explorant tout les aboutissant de l'amour, il n'est pas surprenant que certains morceaux possèdent  une sensualité affirmée, les sens en éveil, à la caresse d'une main parcourant une peau douce, aux reflets de cette même peau qu'un voile de sueur recouvre, au frissons divers qui peuvent la parcourir, c'est que l'amour est à la fois très physique et mérite que l'on n'en fasse pas juste  une chose évanescente de  pur sensation idéale.
En définitive, c'est un très beau disque, qui n'est que la vision du compositeur de l'amour ("This is my definition of love...") nous dit la très courte et très sobre description de l'album, et bien soit, je n'ai pas besoin de plus. Aimez.

2023
Crafted Sounds
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Faut imaginer un bar. Et oui je sais que toute mes histoires commencent dans un bar mais merde, on peut pas boire de pintes dur une appli de rencontre. Et je ne parle même pas de ces bars ou le cocktail coute dix balle, putain , je comprend en même temps, l'inflation, tout ça mais merde quand même, ça fait chier.
C'est pas un album joyeux, le dernier Gaadge, il à toute la mélancolie et la tristesse intrinsèque au genre. Ce mélange de rock un peu sale, façon grunge, de shoegaze pour ces guitares vaporeuse et un peu noisy même parfois, c'est pas vraiment le véhicule idéal pour la joie. Encore que ...
Sombre dans le texte, il est vrai, et pourtant pas dénué d'une certaine lumière dans la musique, un peu comme si le chanteur nous disait, qu'au fond, tout ça n'a pas grande  importance, comme un dernier sourire impertinent jeté à la face du monde. Il y peut  être un peu de tout ça, et peut  être bien plus encore, mais pour le découvrir il va falloir l'essayer.

2023
Backpack Records
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Il y a une joie simple à l'écoute d'un groupe comme Moshi Moshi. C'est de l'expression d'une énergie canalisé en musique. Elle à cette musique, le bon gout de jouer juste. Le punk n'est pas ce bruit qu'on imagine lorsque l'on mouille un orteil, c'est un continent de la musique rock cette bande de joyeux norvégiens le fait avec une bonne humeur contagieuse. Ils font parti de ces groupes capable de composer, d'écrire, d'enregistrer deux albums par ans, un peu comme certains australiens que l'on évoque souvent sur ces pages. J'ai un faible pour cette musique instantanément transformé en flot de dopamine. Nietzsche nous dit de nous méfier de ce qui nous plait. Lui qui était fin mélomane, mais très piètre musicien, avait poussé la réflexion très loin sur la musique dont il disait en substance que sans elle, la vie ne vaudrait pas d'être vécu.
J'aime Moshi Moshi parce qu'ils me plaisent instantanément. C'est peut être un argument de peu, mais certains albums nous percute et nous habite instantanément, sans digestion possible. Cette musique qui oscille entre garage punk, saupoudré de quelques discrets claviers, et une discrète note de quelque chose qui aurait à voir avec le genre hardcore, dans le chant parfois.
Je suis percuté et habité par ce très court album (vingt trois minutes) dont pas une seconde n'est superflu, qui fait preuve d'inventivité, de bonne humeur, c'est quand même bien parfois de lâcher un peu prise.