Intéressant cet album. On en lit beaucoup de choses à droite et a gauche sur internet. Hormis sa très belle pochette, on notera la grande diversité des genre traité, l'habile bricolage sonore probablement fait dans une chambre aux rideaux semi fermé, et cet esprit DiY présent tout du long de l'album, comme une marque de fabrique. Entre morceaux de dance music et expérimentation tortueuse, ce Rezzett LP propose une vision intéressante de la musique électronique et une approche originale tant dans la forme que dans le fond. Une curiosité qui ravira ceux qui cherchent  à sortir un peu des sentiers battus. 

Aujourd'hui nous allons parler plus d'un musicien que d'un album puisque nous allons rapidement évoquer le travail de Blixtfält, un musicien américain originaire du Wisconsin et qui nourrit visiblement une chaude passion pour les synthétiseurs modulaire. Une passion qui le pousse, depuis treize mois, à sortir un album tout les trente jours. Oui, 1/2019 est l'album de janvier mais aussi le treizième d'une série commencé en janvier 2018 et jamais cessé depuis. Un rythme de parution stakhanoviste qui est autant  une performance musicale que physique. La musique elle, est parfois inégale, il est impossible de tenir la cadence sans parfois amoindrir la qualité. Nous parlons tout de même d'un album entre quarante minutes et une heure tout les mois.

Le mieux à faire pour explorer cette pléthorique discographie  est encore d'y naviguer un peu au hasard dans bandcamp. La musique minimaliste/drone se prête bien à de longue écoute et est propice à la contemplation, donc vous  pouvez tout aussi bien lancé un des treize disques au hasard et écouter. Certaine pistes font vraiment  preuve de créativité, d'autres sont juste du bruit ennuyant, mais juste pour la curiosité, je recommande vraiment de jeter une oreille sur cet ovni musicale, ça vaut franchement le temps qu'on y consacre, si vous aimez bidouiller les sons ou bien que vous êtes amateur de ce genre bigarré.

Joey Walter à envie de parler de plein de chose, et  il le fait. Que ça soit le rapport au corps et à l'autre, l'enfance, la sexualité, le salut dans la fuite en avant, et plein d'autre réflexions misent en musique avec brio. Un mélange de musique électronique expérimental et de Folk inspiré que ne renierais pas des musiciens bien plus connus. Supersoft, c'est l'histoire d'un homme qui découvre petit à petit qu'il ne se sent plus à sa place dans ce monde et qui cherche pourquoi ce sentiment lui rend la vie impossible. On évite pas la dimension catharsique mais sans tomber dans l'auto apitoiement. 

C'est le pari de Joey Walker, qui était, je  pense, à la base, d'enregistrer ce disque ou bien de devenir complètement fou. Alors bien sur l'ambiance n'est pas rose, on est plutôt dans un nuancier de gris, tendance hiver humide et de préférence la nuit, mais difficile de chipoter devant tant d'honnêteté et d'écouter un compositeur se mettre métaphoriquement à nu pour essayer de transcender ses interrogations et son malaise. 

Cela s'écoute plutôt facilement malgré le ton de cette petite chronique, et chaque chansons recèle des trésor de compositions et d'arrangements qui raviront tout le monde, sans parler d'une voix qui se donne avec fragilité mais sans retenu. Hautement Recommandé.

Danger c'est avant tout des souvenirs de jours meilleurs. Par meilleurs j'entend que comme j'étais plus jeune, tout était plus simple alors. Nostalgie sans regrets. Découvert par hasard en festival, j'ai immédiatement accroché à cette musique curieuse, qui était nouvelle pour moi à l'époque. C'était il y plus de dix ans je pense, et je n'ai jamais cessé de suivre de loin en loin les sortie du DJ masqué aux yeux qui brillent. Origins va surprendre. C'est un patchwork musicale dont  les chansons on été composé sur plusieurs années, et maintenant assemblé dans un albums. Une certaine cohérence bien sur anime le tout, sans parler de compilation, le son de Danger est quand même assez caractéristique. Mélange  jubilatoire de musique en hommage aux meilleurs jeux d'arcades rétro et de titres dansant plus lourd et transpirant, l'album commence assez calmement, vous endors avant de vous réveillez avec la force d'une claque dans la joue.

 Si la première partie de l'album fait la belle part à une certaine exploration sonore, la seconde elle est clairement clubesque as fuck, beaucoup de chansons rappelleront cette trilogied'EP parut entre 2007 et 2010 qui posa les bases de la musique du lyonnais ainsi que cette charte graphique célèbre, ce personnage masqué au yeux brillant, car Danger, c'est aussi un graphic designer de talent dont chaque pochette mérite de figurer dans un livres des meilleurs pochettes de disque. Clairement la plus grosse claque de ce début d'année en ce qui me concerne, l'album est purement jouissif et  procure une heure de plaisir ininterrompu, je l'écouterais encore dans un an, c'est putain de sûr.

Sympa ce disque de l'hiver. Il est profond, dérangeant, strident, et anxiogène. il m'évoque, en ce qui me concerne, quelques créatures mal intentionné cachés dans le brouillard, le tout dans une atmosphère de fin du monde. Voilà pour l'ambiance ressenti. En ce qui concerne la musique, au delà de la profusion de  mots clé en bas de l'article, on pourra dire qu'il s'agit de musique électronique empruntant un violon de temps en temps, et un gros beat à d'autre moments. Comme c'est foutraque et que je ne fait pas du track by track, parce que ça me fait chier, je dirais que les amateurs de musiques de film seront ravis, puisqu'il s'agit bien d'une OST, d'un film que je n'ai pas vue. Trouver par hasard sur le net, écouté dans la foulé, il ne m'a ramener qu'un tas de pensées négatives et un sentiment désagréable dans l'échine. J'ai adoré.

Fan de la première heure de ce californien, j'ai écouté à chaque fois ses albums avec un ravissement 

toujours croissant. Il est, avec Sufjan Stevens (qui reste le meilleur sans comparaison dans ce genre) , de ces compositeurs dont les albums restent dans mon téléphone pendant très longtemps, et que j'écoute tout aussi longtemps. Cette pépite pop faussement simpliste, composé avec brio, propose aussi bien l'utilisation de claviers, de guitares et de boite a rythmes et d'un piano léer. Sublimé, comme habituellement, par cette voix si sensible quand il s'agit d'aborder des sujet sérieux. Une voix douce et fraiche qui semble sur le point de se briser à chaque instant, éclatante d'honnêteté et surement une des plus belle du genre. D'ors et déjà, je sais que je  l'écouterais très souvent, je sais que ce disque vas me coller aux oreilles pendant de nombreuses semaines voir des mois. il est de ces disques qui colle parfaitement quelque soit l'humeur du moment , entre mélancolie et bonheur simple. Indispensable.  

Au mois de janvier j'effectue à marche forcé un rattrapage de tout ce que j'ai loupé de l'année d'avant. Comme je ne  peut pas parler de tout ce que j'écoute sous peine d'écrire vingt heures sur vingt-quatre, il me faut faire un choix. Dernièrement, je me suis longtemps arrêté  à l'écoute de Holy Fawn et de leur album "Death Spells". Ceux qui fréquente ce blog régulièrement (à part moi), savent que si j'aime la musique death métal et affilié, j'ai une marge de tolérance très étroite entre les groupes qui propose une certaine musicalité et ceux qui sont dans le hurlement primaire et une musique  à la frontière de l'audible. Ma limite se situe vers Deafheaven , ce qui me propulse aux yeux des puristes dans une catégorie entre la sous merde qui supporte pas la vrai musique et le hipster en mal d'émotion. C'est vexant, mais c'est comme ça. Que le chant soit brutal, mais que le musique le soit moins, ou bien le contraire, c'est tout.

Si je digresse c'est pour poser le décor. Holy Fawn n'est pas le groupe le plus violent qui soit, leurs chant n'est pas plus impactant qu'un autre, ils se situe bien dans la limite, et même en deçà. Ils proposent  une musique qui navigue entre post rock, musique ambient et métal atmosphérique (doom ?) . C'est infiniment triste et beau, c'est parfait pour cette grisaille merdique qui sert de météo.

Victor Novak est un musicien de formation classique, joueur de violon, dont le désir est de marier ses influences classiques à une musique électronique riche en émotion. Si ce n'est guère le premier à entamer cette démarche, il convient de se pencher sur ce disque justement pour ce fameux violon. C'est une musique très expressive, qui prend son temps, presque narrative. Une ambiance brumeuse de musique ambient sublimé par un violon qui semble raconté une histoire. C'est presque de la techno, avec des rythmes synthétiques très marqués, à l'instar de ce "Wrecking" métronomique et martelé comme le pas d'un régiment qui défile, ou bien encore "Near Dark" qui m'évoque sans trop savoir pourquoi le fait de regarder un paysage depuis l'intérieur d'un train en marche. C'est très beau, propice à l'imaginaire et ça s'écoute assez rapidement pour ne pas en avoir marre. A écouter si vous êtes passés à coté en 2018.

Dans l'interminable série des disques qu'on à pas eu le temps ou l'énergie d'écouter en 2018, figure celui ci en bonne place. Mike Vennart est l'ancien chanteur du groupe Oceansize, dont l'album "Everyone Into Position" figure parmi mes dix albums préféré de tout les temps. Après l'implosion du groupe en 2013, Mike Vennart se lance dans une carrière solo plutôt réussis après un premier album en 2015. "The Demon Joke" semble réussit, même s'il semble se chercher  un peu, comme le cul entre deux chose. Comme il s'agit d'un album de transition, je me permet d'être magnanime avec ce dernier, il contient de très bonnes chansons et de très bonnes  idées.

Mais c'est bien le dernier qui nous intéresse. "To Cure A Blizzard Upon A plastic Sea" sort fin 2018 après un long processus d'enregistrement abondamment informé par Mike Vennart qui fait son auto promotion en utilisant la force des réseaux sociaux tout au long de  l'enregistrement. Il accouchera de ces dix chansons pour presque une heure de durée.

Il m'est impossible de ne pas faire le parallèle entre Oceansize et cet album. "Everyone Into Position" est un disque que j'écoute au moins une fois par mois depuis dix ans. L'idée est là, de même que la patte de Vennart. On est sur un disque plus abouti, varié mais cohérent qui louvoie entre rock progressif, math rock et quelques étincelles psychédélique. C'est un album équilibré qui ré utilise tout ce qui à fait  le succès d'Oceansize avec  beaucoup d'intelligence et sans tomber dans le pastiche mou (n'est ce pas les frères Gallagher ?)  En fait, cela ferait même un excellent disque d'Oceansize, si ce n'étais malgré tout un je ne sais trop quoi de différent qui le sauve et le sublime. On recommande donc vivement l'écoute de ce disque et on supportera volontiers Mike Vennart dans le futur si ces prochains disques sont de la même fibre que celui ci.